Hvorfor Philip Guston stadig kan fremprovokere sådan furore og passion

Gustons Ku Klux Klan-malerier er kun én facet af en brandende kunstners historie, der strækker sig fra socialrealisme til abstraktion og tilbage.

Philip Guston i New York, i 1952, da han var i fremmarch som maler af energisk abstraktion. Senere skiftede han gear.

I sidste uge besluttede en håndfuld museer at udsætte et retrospektiv af maleren Philip Guston på grund af bekymringer om, at Ku Klux Klan-billeder i hans værk, der havde til hensigt at kritisere racisme, antisemitisme og bigotteri, ville forstyrre seerne, eller at værkerne ville blive fejlfortolket . I onsdags henvendte et brev udarbejdet af kunstkritikeren Barry Schwabsky til disse museer - National Gallery of Art i Washington; Museum of Fine Arts, Boston; Museum of Fine Arts, Houston; og Tate Modern, London - og underskrevet af næsten 100 kunstnere, forfattere og kuratorer, blev udgivet af Brooklyn Rail i protest mod udsættelsen. Til dato er mere end 2.000 navne blevet tilføjet - unge og gamle, sorte, asiatiske, persiske, arabiske, L.G.B.T.Q.

For folk uden for kunstverdenen er spørgsmålet imidlertid tilbage: Hvem er Philip Guston, og hvorfor vakte denne udsættelse (allerede forsinket af Covid-19) sådan en furore?



Billede

Kredit...Boet efter Philip Guston og Hauser & Wirth

Det enkle svar er, at Guston (1913-1980) var en kunstners kunstner. Indflydelsen fra hans vildledende simple emner og eftertrykkelige penselstrøg bølger stadig gennem arbejdet hos mange malere, der underskrev brevet: Henry Taylor, Ellen Gallagher, Nicole Eisenman, Amy Sillman, Mickalene Thomas, Peter Doig og andre. Gustons varige indflydelse var også tydelig i hans levetid. Han var berømt i 1940'erne, men øvede stor indflydelse i 1970'erne. Desuden er en del af grunden til, at han bliver omfavnet af kunstnere i det nuværende øjeblik, at han stod op mod bøllerne i kunstverdenen, der ønskede, at kunst skulle være på en bestemt måde - især forfattere som Clement Greenberg, en af ​​de mest indflydelsesrige kunstkritikere af det 20. århundrede, som mente, at seriøst, moderne maleri skulle være abstrakt, frem for at repræsentere mennesker, landskaber eller stilleben.

Guston blev født i Montreal i 1913 af russisk-jødiske emigranter og flyttede med sin familie til Los Angeles i 1919. Han gik på samme Los Angeles-gymnasium som Jackson Pollock, som ville blive en ven, og i 1920'erne og 30'erne blev han betaget af mexicansk kunst, Picasso og kubisme introduceret til ham af en gymnasielærer. (I 1936 valfartede han og Pollock til New Hampshire for at se den mexicanske vægmaler José Clemente Orozcos nye grafiske vægmaleri med 24 paneler The Epic of American Civilization i Baker-Berry Library på Dartmouth College .) Hans barndom var dog præget af hans fars selvmord, som hængte sig selv på verandaen i deres hus. (En anden tragedie fandt sted i 1932, da Gustons bror døde efter at være blevet knust af sin egen bil.)

Billede

Kredit...Boet efter Philip Guston og Hauser & Wirth

Voldens spøgelse hænger over Gustons tidlige værk - selvom det ofte er periodens politisk tilskyndede konflikt. I 1932 malede Guston og nogle venner vægmalerier for en lokal John Reed Club i Los Angeles - en del af en gruppe kommunistiske klubber startet af New York-skribenter til tidsskriftet Nye Messer . Emnet for kalkmalerierne var Scottsboro Boys, ni unge sorte mænd, der er falsk anklaget for en voldtægt i Alabama og dømt til døden. Vægmalerierne blev dog vandaliseret af en gruppe raiders kendt som den røde trup, der gik efter kommunister og strejkende, en enhed tilknyttet Los Angeles politi, ifølge National Gallerys Guston-katalog. De gik ind i klubben med rør og våben.

I 1934, med kunstnerne Reuben Kadish og Jules Langsner, og arrangeret af den berømte mexicanske vægmaler David Alfaro Siqueiros, begyndte Guston Kampen mod terrorisme (1934-35). Denne fresco i Morelia, Mexico, som skildrer tyranni fra den spanske inkvisition til 1930'ernes fascisme, inkluderer de hætteklædte figurer, der blev et livslangt symbol på bigotteri for kunstneren. Guston skabte senere det foruroligende bombardement (1937), en malstrøm af figurer, en med gasmaske, som han malede efter at have læst en avisartikel om de grusomheder, der blev udført under den spanske borgerkrig.

Billede

Kredit...Emiliano Granado for The New York Times

Så, i løbet af det næste årti, begyndte Guston at skifte gear, en ny rekrut fra figurativt arbejde til fuld-blæst abstraktion. Hans malerier fra slutningen af ​​40'erne - omkring det tidspunkt, hvor hans venner Pollock, Mark Rothko og Willem de Kooning udviklede deres karakteristiske abstrakte stilarter - bar titler som Tormentorerne (1947-48), men de menneskelige figurer var ved at blive geometriske former og smeltede sammen med baggrunden.

Der skulle gå endnu et par år, før Guston havde sin første udstilling af fuldstændig abstrakte værker i New York - ingen menneskelige figurer, ingen genstande i syne, præget af farveklynger i deres centre. I værker som Voyage (1956) eller Native's Return (1957) smelter presserende penselstrøg sammen til svævende næsten-kugler, der dominerer maleriet. I 40'erne kæmpede han kampe med sin egen mentale sundhed såvel som den lange arm af vestlig kunsthistorie fra renæssancen til de Kooning.

Så, endnu et skift, tilbage mod at repræsentere objekter og mennesker. Menneskehoveder begyndte langsomt at vende tilbage til hans malerier, som i Painter (1959), der fungerede som en slags abstrakt selvportræt. Det ville tage foråret og sommeren 1968, efter mordene på Martin Luther King Jr. og Robert F. Kennedy, og politiets og nationalgardens angreb på menneskemængder uden for det demokratiske konvent, at skubbe Guston ud over kanten. Jeg blev syg og træt af al den Renhed! sagde han i et interview fra 1977 med henvisning til abstraktion. Ville fortælle historier!

Billede

Kredit...Ejendom efter Philip Guston og Hauser & Wirth

I malerier som Bad Habits (1970), med dets groft tegnede hætteklædte gooner i et fangehulslignende rum - et af dem viftede med en pisk eller en anden torturanordning - viste Guston en tilbagevenden til sine besættelser fra 30'erne; de demonstrerer, hvordan vores civilisations dårlige vaner (vold, racisme, undertrykkelse) næsten ikke var forsvundet i de efterfølgende årtier. Guston kunne også vende penslen mod sig selv i værker som The Studio (1969), hvor en tavs hætteklædt figur maler et selvportræt, der antyder den racisme, der er indgroet i os alle. Kunstneren Glenn Ligon tilbyder en mere sympatisk læsning af dette maleri i National Gallerys udstillingskatalog; dog, skriver han, komikeren George Carlin sagde engang: 'Grunden til, at de kalder det den amerikanske drøm, er, fordi du skal sove for at tro på den.'

Gustons 'hood'-malerier, med deres tvetydige fortællinger og brændende emne, sover ikke, fortsætter hr. Ligon. De er vågne.

Sammen med figurernes tilbagevenden og hætterne - nu tegnet på en grov, tegneserieagtig måde, der chokerede selv hans jævnaldrende i begyndelsen af ​​70'erne - fortsatte Guston med at male almindelige genstande: sko, dåser, ure og mursten, der hævdede både materialiteten og hverdagen. af maleri. Kritikeren Harold Rosenberg kaldte sit senere værk en befrielse fra løsrivelse - hvilket vil sige, det var ikke bange for at tage fat på rodet politik, kroppen, fiasko eller de forandringer, en kunstner gennemgår i sin levetid.

Og det er derfor, kunstnere har samlet sig bag Guston: De ser en allieret i hans arbejde, en dedikation til håndværk og selvrefleksion - men også en model for mod og befrielse i lyset af undertrykkelse, uanset om det er i kunstverdenen eller udenfor.