Anmeldelse: Picasso, Completely Himself in 3 Dimensions

Picassos kvinde med hat, lavet af malet metalplade i begyndelsen af ​​1960

Mange udstillinger er gode, nogle er fantastiske og meget få er ensbetydende med kunstværker i deres egen ret - for deres klarhed, lyrik og akkumulerede visdom.

Museum of Modern Art er svimlende Picasso skulptur er i den tredje kategori. Stort, ambitiøst og uundgåeligt, svimlende peripatetisk, dette er en begivenhed, der en gang i livet. Det opretholder sin vision gennem en ring af 11 storslåede rum på museets fjerde etage, der sporer de serielle genrebøjningsfremstød i tre dimensioner skabt af denne maleriske titan fra det 20. århundrede. Hver kamp varede et par år og var anderledes end den før, og hver har fået sit eget galleri, mere eller mindre.

Værker fra Picasso Sculpture på MoMA

10 billeder



Se diasshow

2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York, Philip Greenberg for The New York Times

Med en fantastisk undtagelse - den vellystige saturnine Marie-Thérèse Walter - kvinderne i Picassos liv varsler ikke stilistiske ændringer i runden, som de plejer på lærred. I skulpturen bliver materialerne til muserne.

Showet, der åbner på mandag, er det seneste i en række af skelsættende Pablo Picasso-udstillinger, som det moderne med rette har været berømt for siden 1939. Det er fyldt med lån, som måske kun dette museum har indflydelse på, herunder omkring 50 stykker fra dets samarbejdspartner, Musée Picasso i Paris. De omkring 140 skulpturer her er lavet mellem 1902 og 1964; omfatter mindst 10 medier - blandt dem træ, gips, metalplader, ler, strandudjævnede småsten - og, samlet, alle mulige fundne genstande, store og små. Gallerierne er oversået med værker, der aldrig før er udstillet i New York, og genforener relaterede indsatser, der ikke er set sammen, siden de var i Picassos atelier.

En sidste-minut-guide til 'Picasso-skulptur' på MoMA

Denne enestående udstilling på Museum of Modern Art, som samler mere end 100 Picasso-værker, lukker den 7. februar.

Showets to største, mest spændende genforeninger er samlingen i dets andet galleri af alle seks Glass of Absinthe-skulpturer fra 1914, de små underligt keatonske charmører af malet bronze, der kan antyde berusede ansigter og profiler; og i sin fjerde, de fem monumentale tumescent hoveder i hvidt gips af Marie-Thérèse, flere end nogensinde er blevet vist sammen, i hvert fald i USA. Set fra absintglassets udsigtspunkt rager den første Marie-Thérèse buste i det fjerne, som for enden af ​​en have.

Højdepunkter til side, har der ikke været en Picasso-skulpturundersøgelse af dette omfang i dette land siden 1967. Det var da den første store udstilling af skulptur, som Picasso nogensinde tillod, nåede det moderne efter inkarnationer i London og Paris. Han holdt sine skulpturer tæt, som familie, og ingen tættere på end de store plastre, som tilsyneladende var fraværende i '67-præsentationen. Han levede blandt store virvar af dem fra 1930'erne og frem, hvilket bevises af de fotografier, som Brassai tog i kunstnerens atelierer mellem 1932 og 1945. To dusin Brassai-billeder står langs et lille galleri her, hvilket føjer til showets rikochetterende krydsreferencer og indsigter.

Billede

Kredit...2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York, Philip Greenberg for The New York Times

Ligesom sin forgænger rejser denne udstilling spørgsmålet om, hvorvidt Picasso var en bedre billedhugger eller maler. Det er et hårdt opkald. I hvert medie forstyrrede han kunsten med et sporskiftende mesterværk: I maleriet er der den heftige Demoiselles d'Avignon fra 1907, som kan ses i gallerierne på femte sal, en af ​​de centrale pyloner, hvorpå han og Braque rejste kubismen. Og han gjorde kunsten måske en endnu større tjeneste med det boxy konstruerede vægstykke Guitar - et værk fra 1914, der indleder moderne skulptur ved at etablere selve rummet - hulhed, volumen, vægtløshed - som et af dets primære materialer.

Picasso var mere fuldstændig sig selv i tre dimensioner: en tryllekunstner, et magpie-geni, en komisk entertainer og en pillemand med suveræne reflekser. Hans mange gaver - alsidighed, glubskhed, et behov for konstant genopfindelse - er mere tydelige i virkelige rum og håndgribelige materialer. Vi kan ikke gå glip af hans fuldendte forståelse af taktilitet og form eller af potentialet for fundne genstande og materialer til at føre dobbeltliv. Skruer kunne være benene på en pige, der læser en bog. En tap kan være toppen af ​​en trane, hvis krop og halefjer engang var hovedet på en skovl. En lille flad guddom udskåret af et træskrot bliver rødmet og gnidet, indtil det ligner gammel terra cotta.

Billede

Kredit...2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York, Philip Greenberg for The New York Times

Med undtagelse af støbt bronze, som han tilsyneladende ikke har brudt sig om, mødte Picasso aldrig et materiale, som han ikke kunne undertrykke, ophøje og forvandle på samme tid, og heller ikke støde på en idé i anden kunst - hvad enten det er gammelt eller nutidigt - at han ikke kunne bruge. Der er ingen spildt bevægelse, ikke et ekstra gran af stof, bare en suveræn økonomi. Selv fodgængerstykker har forløsende aspekter. Den uforklarligt elskede bronzemand med et lam fra 1943 kan se dig som den bedste Leonard Baskin nogensinde, eller måske et monument for John Cleese , men de store klodsede hænder, som manden griber det kæmpende væsen med, er ekstraordinære. Og faktisk mestrede Picasso bronze, da han personliggjorde den ved at male den, som han havde gjort med absintglassene.

Det er bare en måde, han bragte maleriet med sig til skulptur. I showets ottende galleri, der dækker 1945 til 1953, maler han med glasur på keramiske beholdere i form af figurer og dyr, på bronzeafstøbninger af samlinger, inklusive den skovlstøttede kran, og på en kvinde og et lille barn brostensbelagte af spinkle rester af tømmer, der kan være et værk af en udenforstående kunstner. Også her laver han monstrøse samlingsblomster til en keramikkrukke og en vandkande af træ, metal og porcelæn, der genialt er sat sammen med gips og malet. Deres strittende energi og gule farver tyder på en hyldest til van Goghs solsikker. Og så, i samme tidsrum, går han små og glatte, indskærer fantastiske små ansigter på upåklageligt udvalgte strandsten, ud-Kleeing Paul Klee med en lille kykladisk smidt ind for en god ordens skyld.

Billede

Kredit...2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York, Philip Greenberg for The New York Times

Picassos konstante bevægelse er meget mere tydelig, og måske mere frugtbar, i skulptur. I showets åbningsgalleri, som dækker 1902 til 1909, ser vi ham først i dygtig træls for Gauguin med en pint-størrelse ubrændt lergengivelse af en gammel siddende kvinde, hvis følsomme ansigt er tydeligere på et Brassai-fotografi senere i showet. Men snart kommer de dobbelte stød fra den iberiske og afrikanske skulptur, bevist af et skræmmende lille træidol, udskåret fra, hvad der engang ser ud til at have været et bordben malet grønt. Dens rasende sorte øjne er hovedet af små skruer.

Han reducerede også altid sine tab. I dette første galleri er bronzehovedet fra en kvinde fra 1909 magtfuldt som altid, men også mere klart en af ​​de store blindgyder i den tidlige modernisme: et forgæves forsøg på at bringe de flimrende facetter af analytisk kubisme og Cézanne i tre dimensioner. Fremtiden for skulptur lå med Braques innovation, kubistisk collage.

Billede

Kredit...2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York, Philip Greenberg for The New York Times

Med fokus på afrikansk kunst ankom Picasso derefter til den banebrydende guitar ved at lokke collagens flade rene former til tre dimensioner. Dette fatamorgana af svævende fly, hulrum og skygger i plader af udskårne, mørkt rustne jernholdige jern er på én gang en maske, en krop og et musikinstrument. Ud over at bryde det skulpturelle rum op, gjorde det en selvindlysende struktur næsten de rigueur. Ved siden af ​​hænger dens afgørende tørløb, en nøjagtig, men strålende kopi i cremet papir og pap. De præsiderer over absintglasbronzerne som stolte forældre.

Alle disse værker - guitarerne, brillerne - pegede mod abstraktion, men igen gik Picasso videre og overlod det til andre at udvikle. Næsten hver eneste skulptur, han nogensinde har lavet i resten af ​​sit lange liv, var en genkendelig ting, som regel en levende, uanset om han var menneske eller dyr. Som dette show beviser, var det, som om han - efter at have ændret skulpturen uigenkaldeligt med guitarerne - derefter satte sig for at afsløre alle måder at skildre figuren på, der stadig skulle udforskes.

Og alligevel hjemsøger især guitarerne mange af disse anstrengelser. Deres hulhed er implicit i de store vegetabilske former i gipsbusterne af Marie-Thérèse Walter, der ser dominerende og årvågen ud i skulpturen, som hun sjældent gør på lærred, og som måske får Braque-agtig regning som samarbejdspartner.

Guitarernes plane komposition er eksplicit i proto-installationsstykket The Bathers, hvis seks fladtrykte vagtposter Picasso lavede i 1956 ved at bruge mere affældigt tømmer og lejlighedsvis genialt placerede åbne rammer. Flyene og vægtløsheden forenes i ansigterne og figurerne og en troldmandsstol formet af bøjet og malet metalplade i showets sidste galleri. Nogle af disse værker er for det meste hvide. Andre tjente som stræklærreder til farve, især Woman With Hat, en pop-out gentagelse af et hyppigt Picasso-motiv: en kvinde i en lænestol. Alle synes de klar til at tage flugten over Moderns have lige bag vinduet.

Picasso Sculpture er blevet til af Ann Temkin, chefkurator, og Anne Umland, kurator, begge i Moderns afdeling for maleri og skulptur, og Virginie Perdrisot, Musée Picassos kurator for skulptur og keramik. Vi står i deres gæld.

Hvert galleri i denne genialt installerede indsats er en udstilling for sig selv, fuld af subtile links, hentydninger og kontraster, der binder værkerne sammen eller adskiller dem. Det sidste galleri bringer dig tilbage til indgangen, og den cirkulære sti - en stor kæde af at være i kunsten - er passende: Picassos skulpturelle fremskridt var ikke-lineær, og i hvert fald er ens impuls at blive ved med at cirkle igennem og tage mere og mere ind med hver rotation.

Dette er en af ​​de bedste udstillinger, du nogensinde vil se på Museum of Modern Art, især i dets nuværende iteration. Gallerierne på fjerde sal, som normalt huser den permanente samling, efterkrigsafdelingen, har aldrig set bedre ud. Showets rummelige installation - hvert stykke (gem vægstykker) kan ses i runden - forløser i det mindste denne del af museets sjæledræbende udvidelse fra 2004. Det tyder også på, at for mange udstillede værker kan betyde, at folk ser mindre ud, fordi de bevæger sig hurtigere og mere uvidende. Hvis Moderns kuratorer kan geninstallere færre værker efter afslutningen af ​​dette show, har besøgende måske en bedre chance for at blive ægte kunstelskere frem for kunstturister, der besidder smartphones.