En fotograf ser dybt ind i Amerikas fortid

Dawoud Beys billeder på Whitney Museum afslører rige historier gemt under overfladen, hvordan steder udvikler sig over tid.

Dawoud Bey, A Boy in Front of the Loew

Før han blev fotograf, uddannede Dawoud Bey sig til jazz-percussionist og så til John Coltrane som en rollemodel for at kombinere håndværk med en forpligtelse til social retfærdighed. Som teenager i 1960'erne var Bey fint tilpasset de sociale og politiske omvæltninger i borgerrettighedsbevægelsen, iscenesatte sit-ins og demonstrationer med sine gymnasiekammerater og meldte sig ind i Black Panther Party, hvis avis han solgte i weekenderne. I 1968 var kampen for racelighed ved at løbe sammen med demonstrationer mod krigen i Vietnam og de tidlige stadier af kvinders frigørelse, hvilket dannede et mønster af transformation og omvæltning, der kulminerede med mordet på præsten Dr. Martin Luther King Jr.

Det år arvede Bey et kamera fra sin gudfar, og han begyndte snart at studere mediets historie og teknikker ved at undersøge billeder af Gordon Parks og Roy DeCarava og lære at printe og fremkalde film fra en sort fotograf i hans Queens-kvarter. Bey erkendte, at selvom et billede kan virke som en statisk optegnelse, kunne en fotograf ved at se omhyggeligt og med intentioner oplyse mere end det, der var synligt i billedet, og lede seerne til historier skjult under overfladen. Nutiden fortrænger aldrig fortiden fuldstændigt, bemærkede kunstneren et interview i Aperture december sidste år. Historien imploderer ikke, den udvider sig.



Et amerikansk projekt, en retrospektiv undersøgelse på Whitney Museum of American Art, viser den 68-årige kunstners nuancerede forståelse af historien som både subjektiv og dynamisk. Under Beys omhyggelige øje opstår historien som en aktiv tilstedeværelse, forfattet i realtid af individer og samfund, der transformerer og transformeres af fortidens konstante udfoldelse.

På tværs af to etager og næsten fem årtiers arbejde adskiller udstillingen Bey inden for amerikansk fotografis kanon som en kunstner, hvis tilpasninger til de tekniske ændringer inden for hans håndværk ikke er sket på bekostning af hans etiske engagement i at skildre det sorte liv i al dets rigdom og kompleksitet.

Billede

Kredit...Dawoud Bey/Rennie Collection

Fra begyndelsen af ​​1970'ernes scener lavet med et 35-millimeter kamera til portrætter i 1980'erne og 1990'erne udviklet med et 4 x 5 stativmonteret apparat, har Bey forsøgt at slette sin egen tilstedeværelse som fotograf, bremse sin proces og lade sine motiver tag føringen. Disse fotografier, som er lavet i større skala, som f.eks. et tæt beskåret billede af en ung mand, der er stivnet på cykel, demonstrerer ikke kun Beys evne til at fremhæve sine motivers indre med omhyggelig opmærksomhed på detaljer, men øger også seernes bevidsthed om, at de , ligesom Bey, deler plads med en anden person. Han fortsatte denne praksis i studieportrætter af sine venner, multipanel-farvede polaroids, der skildrer Kerry James Marshall, Cheryl Lynn Bruce, Lorna Simpson - alle medlemmer af et udvidet kunstnerisk fællesskab.

Museets installation af disse senere værker er særligt inspireret: Monteret i næsten naturlig størrelse på galleriets vægge iscenesætter fotografierne et møde, der placerer beskuer og motiv på lige stor og gensidig respektfuld afstand.

Kurateret af Whitneys Elisabeth Sherman og Corey Keller på San Francisco Museum of Modern Art, hvor udstillingen opstod, før et stop på Atlanta's High Museum, markerer udstillingen en slags hjemkomst for Bey, der blev født i Queens i 1953. Bey har ofte citeret den dybe oplevelse af at besøge Mets udstilling fra 1969 Harlem on My Mind, som blev protesteret af sorte kunstnere for at foregive at skildre livet i Harlem, mens de kun inkluderede nogle få sorte kunstnere; det var der, at Bey for første gang var vidne til billeder af almindelige sorte mennesker i en institution, der længe havde udelukket dem. Et årti senere åbnede Bey sin første udstilling med fotografier på Studio Museum - sort-hvide billeder i beskeden skala, der skildrer de mindre nøgler til livet i Harlem, lavet under hyppige ophold i nabolaget, der begyndte i 1975. Med titlen Harlem, U.S.A. fotografierne er afslappede og sociale og viser øjeblikke af stille eftertænksomhed og fest, som i et portræt fra 1978 af tre elegante, ældre kvinder klædt i deres pragt, mens de læner sig over en politibarrikade.

Billede

Kredit...Dawoud Bey/Sean Kelly Gallery, Stephen Daiter Gallery og Rena Bransten Gallery

Billede

Kredit...Dawoud Bey/Stephen Daiter Gallery og Rena Bransten Gallery

Selvom Bey måske er bedst kendt for sådanne følsomme og smart komponerede portrætter, er det hans opmærksomhed på placering - en skarp bevidsthed om, hvordan stedet kan jorde individer i samfund - der forankrer hans fotografier. Hans værker omgår den fælde, der ofte er sat for sort billedsprog, det dobbelte ansvar for at frikende nationens oprindelige synder og annoncere en følelse af fremskridt, men Bey er også meget opmærksom på, hvordan steder ændrer sig over tid.

Billede

Kredit...Dawoud Bey/Sean Kelly Gallery, Stephen Daiter Gallery og Rena Bransten Gallery

Billede

Kredit...Dawoud Bey/Sean Kelly Gallery, Stephen Daiter Gallery og Rena Bransten Gallery

Billede

Kredit...Dawoud Bey/Sean Kelly Gallery, Stephen Daiter Gallery og Rena Bransten Gallery

På Whitney er Beys 1970'er-øjebliksbilleder af Harlem parret med en nyere serie, Harlem Redux, der undersøger gentrificeringens indvirkning på det historisk sorte kvarter og dets vigtigste steder. En diptykon fra 2016 fra denne serie viser det vandplettede papir, der dækker facaden af ​​den tidligere Lenox Lounge, hvis berømte Zebra Room engang var befolket af folk som Zora Neale Hurston og Billie Holiday. Billederne er sat i en korridor ved Whitney, der ser ud på skyskraberne i Meatpacking-distriktet, der selv engang var et knudepunkt for kunstnere og kulturliv, men siden er blevet ændret af den globale kapitals indgreb. De er elegiske og længselsfulde, vibrerende med tidligere toner af et øjeblik siden gået, men hvis ekkoer runger hen over nutidens liv.

Billede

Kredit...Dawoud Bey; via samling af San Francisco Museum of ModernArt

Sådanne resonanser mærkes dybeste i serien Natten kommer ømt, sort, en 2017-serie af gelatinesølvtryk i stor skala trykt i sorte og grå nuancer. For at lave disse værker rejste Bey langs undergrundsjernbanens ruter i det nordøstlige Ohio og fulgte flygtende slavers veje, da de kom nordpå, og skabte fotografier i dagtimerne, som han forvandlede til crepuskulære scener gennem en bestemt trykproces. Den næsten monokrome finish kræver, at beskueren bevæger deres krop for at opfatte rolige scener med skovbunde og verdslige hvide stakithegn.

Uden nogen figurer synes disse værker i første omgang at modsige de lange, torturerede arv, som de hentyder til. Udsigten er ofte begrænset, landskabet gengivet, som om man kiggede gennem hullerne mellem træerne. Mens vi går gennem disse billeder, kommer vi stadig tættere på Lake Erie, hvis kyster signalerede, at friheden var nær. På trods af billedernes stilhed er det muligt at se lyden af ​​bølgerne - en konstant, presserende rytme, der scorer den amerikanske historie.


Dawoud Bey: Et amerikansk projekt

Til og med 3. oktober, Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St, Manhattan, 212-570-3600, whitney.org . Forhåndsbilletter påkrævet.

Tausif Noor er en kritiker og forfatter baseret i Philadelphia.