Monolith Mania kommer til Chelsea

Hvorfor har denne relativt simple form for skulptur været så fyldt med mening og symbolik gennem århundreder? Kasmin Gallery har nogle ideer.

Jeg bebrejder dig ikke, hvis du aldrig vil høre ordet monolit igen. Det var bestemt et af de mest misbrugte udtryk i 2020. Det betyder officielt én sten (mono for én og lith for sten eller udskæring, fra det græske ord lithos ), og blev presset på overarbejde sidste efterår, da sociale medier blev oversvømmet af rapporter om mystiske monolitter.

Måske ligger det virkelige mysterium i, hvordan ordet monolit, selvom det er forkert, øjeblikkeligt og globalt blev vedtaget for at beskrive den kolonne - en kolonne med metal, ikke sten - - det blev opdaget i november i en fjern del af Utah-ørkenen og affødte en række af copycat skulpturer .



Billede

Kredit...Utah Department of Public Safety, via Associated Press

Sådanne spørgsmål om nomenklatur er for nylig blevet vakt af Mellem jord og himmel, et flot og uforholdsmæssigt aktuelt gruppeudstilling i Kasmin Gallery på Manhattan. Det samler 22 værker, nogle nyere, nogle ret gamle, alle regnet som monolitiske skulpturer. Dette strækker selvfølgelig definitionen; kun fire af værkerne er faktisk lavet af sten, mens andre er sammensat af materialer som bronze, ler og blæst glas. Men lad os ikke uddybe pointen. Vi ønsker ikke at være monolitpolitiet.

Lad os bare sige, at showet er et livligt og enormt afledende blik på temaet vertikalitet med dets uundgåelige op- og nedture. Der er ingen nem måde at forklare, hvordan formen på den fritstående søjle, en form så elementær som et kosteskaft og så gammel som det første menneske, der prøvede at stable et par sten op, er blevet sadlet op gennem århundreder med så meget mening, især med hensyn til åndelig opløftelse og transcendens.

Sammenlignet med horisontale vektorer, som kan fremkalde den liggende menneskelige figur og hviletilstande, bærer lodret antydninger af det kosmiske. Grundet i jorden, pegende opad, antyder den verden bag vores skriveborde - noget større end os selv og langt mere varigt. Berømte megalitter som dem ved Stonehenge eller Påskeøen har ikke til formål at lodde vores indre liv eller tilbyde indsigt i lidelse, i stedet for at fange en generaliseret længsel efter himlens og stjernernes majestæt.

Billede

Kredit...Nina Westervelt for The New York Times

Billede

Kredit...Huma Bhabha og Salon 94; Christopher Stach, via Kasmin

Billede

Kredit...Ugo Rondinone; Diego Flores, via Kasmin

Noget af den energi bliver genbrugt i Ugo Rondinones the dignified (2019), det seneste værk i Kasmin-showet, og blandt de mest mindeværdige. Den består af en karismatisk kæmpe med en stor sten til hovedet og to plader i forskellig størrelse til benene. Hans holdning antyder, at hans vægt er flyttet over på hans bagerste ben, hvilket signalerer uformel og får ham til at føle sig mindre som en palæolitisk guddom end en almindelig fyr, der står og venter på sin date.

Rondinone kan i sandhed se bedre ud udendørs, ligesom Huma Bhabhas tilsvarende overdimensionerede God of Some Things (2011), en tyk bronzegudinde med misundelsesværdig kropsholdning. Storskala skulpturer skal ses fra en vis afstand, hvis de skal ses i deres helhed, komplet med den luft, de forstærker. På tættere afstand kan de forsvinde ind i deres egne teksturer, og når du går gennem showet, kan du finde på at studere overflader frem for silhuetter - uanset om det betyder den sorte patina af Per Kirkebys Torso I (1983) eller den jordnære valnød fra Saint Clair Cemin's Girl and Thoughts (2014), et vidunder af indviklet udskæring.

Grundlæggende er der to typer kolonner i dette show. Der er oprigtige spalter, som dem, der er nævnt ovenfor. Og i overensstemmelse med den postmoderne smag for underholdt skepsis er der ironiske spalter - spalter, der håner eller klogt undergraver formen.

Billede

Kredit...Tom Sachs; Christopher Stach, via Kasmin

Billede

Kredit...Rachel Harrison og Greene Naftali; Christopher Stach, via Kasmin

Billede

Kredit...Marie Watt og Marc Straus; Nina Westervelt for The New York Times

I sidstnævnte kategori består Marie Watts engagerende Blanket Story: Indian Territories, Round Dance, Grandmother (2016) af en høj, firesidet søjle, der er udtænkt af en stak pænt foldede tæpper. I stedet for en stiv, uforanderlig søjle har Watt, en borger af Seneca Nation, givet os et monument over varme og foranderlighed. Der er dusinvis af tæpper i alt, hver let slidt, og det er overraskende at indse, hvor lang tid du kan bruge på at overveje et pink uldtæppe med satinkant i forhold til et gråt med uklare frynser.

Et andet stik til traditionelle monumenter er leveret af Rachel Harrison, New York-skulptøren, hvis meget beundrede retrospektive på Whitney Museum blev afholdt for lidt mere end et år siden. Her Boss Revolution (2015) går tilbage til den popkulturelle form af en telefonboks, i sig selv et svunden monument fra det 20. århundrede. Harrisons kiosk afgiver en luft af afslappet kaos, med en sort roterende telefon dinglende i luften, for evigt af krogen, og et overdimensioneret fotografi af en kvinde, der skjuler sit ansigt bag en hættetrøje. Kommunikationen er tydeligvis brudt sammen, og der er ringe sikkerhed for tilstedeværelsen af ​​en White Pages, der rager ud mod seeren, vendt op til en helsidesannonce for en personskadeadvokat.

Kolonnesatire når sit højdepunkt i Tom Sachs' Here III (2017), en indvendig joke, der føles lidt klam. Det hylder Barnett Newman, den ærede abstrakte ekspressionist, hvis signaturmalerier med lynlås, med deres tynde striber isoleret mod store farvefelter, bragte et nyt humør til vertikalitet. Newman's Here III, (1965-66) er en aflang stålsokkel, der rejser sig mod himlen fra sin Cor-Ten-base (den er ikke med i udstillingen og tilhører Nasher Sculpture Center i Dallas) er inspirationen til Sachs' skulptur af samme titel, en bevidst sjusket og understandard replika, der ser ufærdig ud, med blyantmærker og synlige skruer. Det lader til at sige, at jeg aldrig bliver så god som Barney.

Billede

Kredit...Marie Watt og Marc Straus

Billede

Kredit...James Lee Byars; Diego Flores, via Kasmin

Billede

Kredit...Nina Westervelt for The New York Times

Også James Lee Byars piratiserer åbenlyst en forgængers klumme. Byars , en dandyish figur med høj hat, der døde i 1997, var elsket for sine præstationer og smidte værker lavet af papir. Men hans Figure of Death (1987), som indtager sit eget værelse i Kasmin, er det modsatte af flygtig. Sammensat af en stak hvide marmorterninger, der hylder Constantin Brancusis Endless Column, antyder det, at selv en overløber som Byars af og til længtes efter varighed og en overflade af snavsfri perfektion.

De ældre kunstnere i showet fremstår derimod ukonflikt i deres kunstkærlighed. Ironi er stryget ud af eksistensen i værket af Beverly Pepper, hvis Ptolemy's Wedge II (2010) handler om balance, og Isamu Noguchi, den uforlignelige kender af klipper. Hans udskæring i det sene liv, Gift of Stone (1982) , er en 7-fod høj søjle af bleggrå granit, der belønner tæt på. Det, der i første omgang kan se ud til at være en typisk flintoverflade, viser sig at være strukturelt dramatisk med buler og buler og kaskader af pointillistiske prikker. Gift of Stone kulminerer i toppen i en 45-graders bladlignende vinkel, hvilket får stykket til at ligne et stenalderværktøj for kæmper.

Som de fleste gruppeshows fremprovokerer denne den nysgerrige refleks, der får dig til at gruble over de iøjnefaldende udeladelser. Hvor er Brancusi, for det første? Hvor er Anne Truitt og John McCracken, begge eksemplariske minimalistiske billedhuggere, der forvandlede søjlen til et redskab til forbløffende fremvisninger af skinnende farver? Sidste efterår dukkede deres navne op som mulige skabere af pop-up-søjlen i Utah, som siden er blevet fjernet, og hvis skaber forbliver ukendt.

På trods af dets overordnede tema, sigter Between the Earth and Sky ikke på at være endeligt. Den stræber heller ikke efter at have den videnskabelige tyngde af en museumsundersøgelse. Det er ikke ledsaget af et katalog, og informationen til besøgende er stort set begrænset til vitale. Ikke desto mindre er showet ambitiøst i dets historiske sweep og inkluderer et udvalg af antikke og stammende stykker.

Billede

Kredit...Vanessa German og Pavel Zoubok Fine Art; Nina Westervelt for The New York Times

Der er en udskåret stensøjle fra Veracruz, Mexico, samt træfigurer og masker fra Centralafrika og Papua Ny Guinea. Selvom de ser lidt fortabte og kontekstløse ud, giver de tilsammen en generøs evocation af den væsentlige rolle, som oldtidens kunst og stammekunst spillede i udviklingen af ​​moderne skulptur, som lærte alle fra Picasso og nedefter, at nogle gange er den mest følelsesmæssigt virkelige form den fra hvilke realistiske detaljer er blevet fjernet.

Mellem jorden og himlen kommer på et tilfældigt tidspunkt. Låst nede og pandemi-gale har de fleste af os på det seneste haft mere end vores andel af horisontalitet, idet de er blevet hjemme og blander os fra rum til rum. Det er ikke i vores magt at rejse i lodret retning, den franske filosof Simone Weil skrev og forklarede, hvorfor vi ikke kan tage et eneste skridt mod himlen.

Men hvis vores fødder ikke kan rejse lodrette afstande, kan vores øjne det, og her skal vi se på mere vertikalt orienterede skulpturer, uanset om de teknisk set er monolitter eller ej.


Mellem jorden og himlen

Til og med den 27. februar i Kasmin Gallery, 509 West 27th Street , (212) 563-4474; info@kasmingallery.com . Åbent efter aftale.