The Met kaster nyt lys på sine største hits og historie

Goya, Caravaggio, Rubens, Velázquez og flere er i skylit-pragt i de europæiske gallerier. Og museet anerkender den formende kraft på kunsten af ​​kolonialisme, slaveri, frakendelse af kvinders stemmeret.

Venstre mod højre, alt af Jean Honoré Fragonard: Romersk interiør, 1760; En kvinde med en hund, 1769; The Stolen Kiss, 1760, på Metropolitan Museum of Arts A New Look at Old Masters.

I en mørk tid begynder øjet at se, skrev digteren. Og efter den mørke, mørke tid, vi har været igennem, kan dette års vintersolhverv, der markerer starten på langsom stigning tilbage i lyset, bære mere metaforisk vægt end normalt.

Tilfældigvis har Metropolitan Museum of Art sin egen genoprettende belysning i gang. I de seneste årtier var ovenlysvinduerne, der bragte naturligt lys ind i de europæiske malerigallerier, blevet slidte og semi-funktionelle, hvilket efterlod nogle rum halvmørke. I 2018 påbegyndte museet et fireårigt projekt til udskiftning af alle ovenlysvinduer . Jobbet krævede, at halvdelen af ​​de 45 gallerier blev nedlagt i to faser, og bidder af samlingen blev midlertidigt opbevaret eller flyttet. (Museets hollandske malerier kan ses i Robert Lehman Wing .)



Med halvdelen af ​​de nye ovenlysvinduer nu på plads, er 21 gallerier, der rummer omkring 500 malerier og et par skulpturer, blevet geninstalleret og genåbnet. Som set på en nylig overskyet december eftermiddag, så den nye belysning - naturlig med en vis kunstig forbedring - godt ud, mindre dramatisk end husket, men jævn og klar, formentlig tæt på den slags lys, som kunstnere, der arbejder i Europa mellem 1250 og 1800 , de datoer, der nogenlunde indrammer samlingen, kan have malet ind.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Projektet genererer også andre former for belysning. Kuratorteamet med ansvar for geninstallation, ledet af Keith Christiansen, formand for europæiske malerier på Met, benytter lejligheden til at gøre noget nyt.

I gallerier, der engang var arrangeret stort set efter geografi og dato, blander de tingene sammen for at sætte fokus på transnationale udvekslinger og grænseoverskridelser. Og de anerkender, højt, på tryk, den formende kraft på kunsten af ​​sociopolitiske realiteter - kolonialisme, slaveri, frakendelse af kvinders stemmeret - som dette museum næsten har ignoreret i sine permanente samlingsudstillinger.

Og det er vigtigt, at de gør dette, ikke kun for at fremme historisk sandhedsfortælling, men for at sikre og udvide et publikum til kunst. I løbet af årtierne har jeg bemærket en faldende populær interesse for Mets gamle mestergallerier, der engang blev betragtet som museets hovedattraktion og kronjuveler. Måske kan denne ændring skyldes skift i skoleundervisningen. Næsten helt sikkert er det et biprodukt af en digital kultur, der holder os ubønhørligt fast i nutiden. Faktisk er de sociopolitiske temaer, der rejses i geninstallationen af ​​kunst fra fortiden, meget af gaven. At lave det link er afgørende for at tiltrække et publikum ind i fremtiden.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Uanset hvilken grund folk har til at besøge gallerierne - for at tjekke den nye belysning, prøve uventede (på Met) ideer eller fange nogle af de største malerier på planeten - er den rigtige grund.

Ændringer er ikke indlysende med det samme. Den højloftede kabys i toppen af ​​Grand Staircase er ikke officielt en del af geninstallationen. Viet til den venetianske kunstner Giovanni Battista Tiepolo fra det 18. århundrede, er det en kulisse, et inventar i et museum, der trods alt er Tiepolo-Centralt. Der er mere arbejde af ham her end noget andet sted uden for Venedig. Det fjerne syn af hans store malerier af engle og guder, der ligger på cumulusskyer, er beregnet til at trække dig op ad trappen, op til himlen, og det gør de. Hvorfor ændre en vindende ting?

Innovationer begynder lige udenfor, i et galleri, der engang var en ligefrem prøvetager af italienske barokmalerier, men som nu har et mere specifikt tema: Barok Rom. I det 17. århundrede var Rom en magnet for kunstnere fra hele Europa, der hungrede efter kontrareformationsopgaver. Mange var italienske; Caravaggio, Guercino og Guido Reni er alle her. Men det samme er den ungdommelige Velázquez oppe fra Madrid og med et charmerende lille billede af den unge jomfru Maria Francisco de Zurbarán, som aldrig forlod Spanien, selvom den romerske barok filtrede ned til ham der.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

I det næste galleri, kaldet Painting as the Mirror of Nature: 1420-1480, mødes nord og syd i en udsøgt lineup af headshot-portrætter. Nogle er italienske, nogle nederlandske, en forskel er denne: De italienske portrætter præsenterer mennesker, som de sikkert gerne ville ses, glatte og tonet; de nordlige viser dem, som de faktisk var, skægstubbe, panderynker og det hele. I Hans Memlings berømte dobbeltportrætter af Tommaso og Maria Portinari - florentinere, der bor i kunstnerens hjemby Brugge - smelter de to tilgange sammen. Der tages højde for hver ansigtsfold og sittererne er smukke.

Det 15. århundrede var en flydende tid for kultur. Kunst og påvirkninger rejste, hurtigt og bredt. I Memlings levetid fandt hans arbejde vej til Italien, Frankrig, England og Polen. Maleri af en Brugge-baseret kunstner af en ældre generation, den sublime Jan van Eyck, var et hit i Napoli, hvor det kan have inspireret den siciliansk-fødte Antonello da Messina til at tage fat på og mestre det nederlandske medie oliemaleri.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Antonellos kunst er uden for kategori, stilistisk og ekspressivt. Hans bustelængde panelmaleri Kristus kronet med torne, fra omkring 1470, er både fantasifuldt fantastisk og portrætspecifikt. Kristi ansigt har de slående træk som en bokser, der har tabt en kamp, ​​og det bedende blik fra en dødsdømt mand, der lige fuldt ud forstod sin skæbne. Et af de mærkeligste og mest bevægende billeder i Mets tidlige europæiske besiddelser, det er ulokaliseret på alle måder uden for enhver dette-fører-til-denne kunsthistoriske fortælling.

The Met favoriserer sådanne fortællinger - det gør de fleste store, generalistiske museer - og følger dem i sektioner af den nye installation. Efter galleriet med portrætter fra det 15. århundrede kommer endnu et centreret om religiøse motiver (Antonello er her), der deles af kunstnere i Europa før reformationen. Og dette efterfølges af et udstillingsvindue af smarte florentinske boligartikler: ægteskabskister, maiolica-krukker og mindeplader. (Lorenzo den Storslåedes fødselstallerken, dekoreret af den yngre kunstner-bror til den store Masaccio, er et midtpunkt.)

Så er der pludselig en pause i tidslinjen. Du træder fra det 15. århundredes Italien til det 18. århundredes Frankrig og rokokoverdenen Fragonard og Watteau. Det er en verden af ​​spidsfindig delikatesse og - i billeder som Fragonards Woman with a Dog - selvunderholdt vid. Og som destilleret her, føles det, på trods af al dets urbanitet, vakuumpakket: helt fransk, hele tiden. (Et galleri med britisk kunst fra det 18. århundrede har en lignende følelse af at være et kulturelt lukket system, en ø-kunst.)

Når du kommer ud af det, tager du endnu et spring, dette en tilbagevending til en paneuropæisk barok. Og på dette tidspunkt sætter kuratorerne fokus på spørgsmålet om race i en to-afsnits vægtekst med titlen Slavery, Race, and Ideology in Seventeenth Century Europe. Dette er på ingen måde den eneste omtale. Tekster i renæssancegallerierne refererer til slaver af afrikanere i det 15. århundredes Antwerpen og Firenze. Individuelle etiketter her og der markerer udseendet af sorte figurer i malerier, støbt som Magi i Krybbescener eller som tjenere i eksklusive portrætter.

I sammenhæng med de seneste års intense Black Lives Matter-bevidsthedsløftning, føles det hele som en mild, sent kommende gestus. Men på et museum, der i sine permanente samlingsudstillinger har været næsten stum omkring emnet racisme, starter det i det mindste en samtale. Det samme gør et galleri med fokus på kvindelige kunstnere, eller på en håndfuld, der etablerede karrierer i Paris efter den franske revolution. Deres karriere havde indbyggede grænser. Mænd lavede vigtig kunst: historiemaleri. Kvinder var begrænset til mindre genrer som stilleben og portrætter.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Men mindre producerede to af Mets mest bevægende billeder fra det 18. århundrede: Adélaïde Labille-Guiards monumentale selvportræt fra 1785 med to elever, Marie Capet (1761-1818) og Marie Marguerite Carreaux de Rosemond (død 1788) og Elisabeth Louise Vigée Le Bruns intime portræt af sin 7-årige datter Julie, der ser på sit eget spejlbillede i et håndholdt spejl.

Fantastisk, begge dele. Vigée Le Brun-maleriet, et studie i gryende selvbevidsthed, ankom til Met, efter legat, blot sidste år. Billedet af Labille-Guiard, der gik ind for ligestilling af kvinder og gav sin overbevisning videre til næste generation, har været i samlingen siden 1950'erne, og jeg sporer det med jævne mellemrum bare for at få et ord på hendes strålende optimisme.

I sidste ende er den dybeste fornøjelse ved at have de europæiske malerigallerier tilbage - alle 45 genåbner i 2022 - er muligheden for at besøge venner, mange længe kendte, nogle nye. Vi har alle vores favoritter. Af dem, der nu kan ses i de renoverede rum, vil jeg blot nævne et par af mine.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Jan van Eycks diptykon Korsfæstelsen; The Last Judgment, fra begyndelsen af ​​1440'erne (Galleri 602) er bestemt en. Det komprimerer hele universer, naturlige og moralske, til to smalle træpaneler.

Jeg elsker Botticellis lille, fejlfri Last Communion of Saint Jerome (Galleri 606). Den stammer fra 1490'erne og kom sent i kunstnerens karriere. På det tidspunkt havde han været igennem vrideren, følelsesmæssigt og åndeligt, men her ser det ud til at løse al nød i et billede af nåde ved livets afslutning.

Det samme kunne siges om et andet sent billede, Peter Paul Rubens’ selvportræt i næsten naturlig størrelse med sin kone, Helena Fourment, og deres lille søn Frans (Galleri 617). Et selvopdrag, det blev formentlig gjort omkring 1635, da Rubens var sidst i 50'erne og Helena, hans anden hustru, næsten 40 år yngre. Han kigger på hende, som om han ikke helt kan tro, hun er der, står ved siden af ​​ham, blød hvid hånd på hans ru, og lyser som en lampe. De går gennem portene til deres Antwerpen-have, som han har forvandlet til paradis. Men går de ind eller ud? Umuligt at sige.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Jeg er en langvarig fan af Johannes Vermeers Study of a Young Woman fra slutningen af ​​1660'erne, nu en del af In Praise of Painting: Dutch Masterpieces at the Met in the Lehman Wing. Nogle portrætsittere kommer til at virke som stive eller stive. (Mange af Antonellos ligner seriøse ballademagere.). Vermeers unge kvinde foreslår med sin bare pande og brede øjne en venlig, festklar E.T., en jeg gerne vil kende.

Da Met købte Duccio di Buoninsegnas Madonna and Child (Gallery 624) for 45 millioner dollars i 2004, gik nogle øjenbryn op. For mange penge! Forkert. Det var hver cent værd, og det er uvurderligt nu. Dateret til omkring 1300, er det nogenlunde på størrelse med en iPad og malet i tempera og guld. I den skubber Jesusbarnet sin mors slør til side, så han kan se hendes triste ansigt. Deres øjne mødes. De kender begge den kommende historie.

Billedet er muligvis lavet til privat tilbedelse. Dens præcise oprindelse er uklar, men vi kan se, at den var genstand for hengiven opmærksomhed. Mørke brændemærker fra alterlys er stadig synlige på dens ramme. Og i dag på Met udstråler det stadig al slags lys.

Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

Et nyt kig på gamle mestre til foråret 2022. Metropolitan Museum of Art, metmuseum.org, (212) 535-7710. Til ros for maleriet: hollandske mesterværker ved Met, igangværende. Kontroller venligst museets hjemmeside for sikkerhedsprotokoller og byens retningslinjer for folkesundheden, inden du planlægger en rejse.