Japansk kunst på sine egne vilkår

Japanorama i Pompidou-centret i Metz opdaterer og udvider på en vigtig udstilling af japansk kunst afholdt i 1986.

METZ, Frankrig - Franske og japanske flag blafrer i tandem i Pompidou-centret her og hylder efterårets program på dette søstersted til Paris-museet for samtidskunst. Dens udstillinger omfatter en om Japansk arkitektur fra 1945 til i dag , og den nyligt åbnede Japanorama , en oversigt over Japans samtidskunst siden 1970, set til og med den 5. marts.

Japanorama fortsætter, hvor en vigtig udstilling fra 1986 i Pompidou-centret i Paris, Avant-Garde Arts of Japan 1910-1970, slap. Det show præsenterede nogle vigtige japanske kunstnere i udlandet for første gang - men det undersøgte deres arbejde som påvirket af og endda afhængigt af vestlige kunsttraditioner. Aomi Okabe, som var en del af 1986-udstillingens kuratorkomité og i øjeblikket er kunstnerisk leder af udstillinger på Det japanske kulturhus i Paris , sagde, at den franske offentlighed på det tidspunkt betragtede moderne japanske malerier fra det tidlige 20. århundrede som kopier af europæisk kunst, især fra Frankrig.

Billede

Kredit...Dmitry Kostyukov for The New York Times



Undertitlen på Japanorama er New Vision on Art. Siden 1970, året hvor Japan begyndte at genoprette sin egen kulturelle identitet, ansporet af den nye tillid, det fandt på Expo '70 i Osaka. Showet er en opdagelse af, hvad der blev overset, sagde kurator, Yuko Hasegawa. Mens Japan kæmpede med komplicerede spørgsmål om modernisering og arv, blev dets kultur forstået i Vesten gennem klichefyldte binære forhold: Den asketiske Zen i en klippehave på den ene side, Hello Kittys glade kitsch på den anden side.

Udstillingen retter op på denne reduktive karikatur og undersøger den måde, hvorpå push og pull mellem tradition og teknologi, individuelt og kollektivt, har formet kulturen på unikke måder. For europæiske publikummer er det nye ved denne nye vision at undersøge moderne japansk kunst på sine egne præmisser.

Europæisk interesse for japansk kunst går tilbage til det 19. århundrede - van Gogh samlede Ukiyo-e-tryk, Monet modellerede sin åkandedam ved Giverny efter japanske haver - alligevel fremviser mange af nutidens kunstinstitutioner sjældent ikke-vestlig samtidskunst. Der har været stykvise udstillinger i Paris i løbet af det seneste år, blandt dem viser på Tokyo Palace , Prom , Cartier Foundation og det europæiske fotografihus . Men ingen udstilling her i Frankrig har undersøgt japansk kreativitet på tværs af epoker, medier og generationer.

Billede

Kredit...Dmitry Kostyukov for The New York Times

I 2016 meddelte den franske og japanske regering japonisme , et diplomatisk initiativ til at fremhæve japansk kultur gennem udstillinger og arrangementer i Frankrig i 2018. Samarbejdet er en blandet velsignelse, ifølge den fransk-japanske gallerist Jean-Kenta Gauthier , der repræsenterer både europæiske og japanske kunstnere. Jeg er virkelig glad for dette - den japanske scene er værdig til at blive præsenteret i dybden og detaljer, siger han. Men der er frygten for at vende tilbage til orientalismen. Han tilføjede: Der er intet værre for en kunstner end at blive en kuriosum.

Hvordan forhindrer man, at den kulturelle kontekst udflades og samtidig opmuntres udenlandsk publikum til at omfavne det ukendte? Fru Hasegawa tackler det spørgsmål i Japanorama. Efter tidligere at have præsenteret japansk samtidskunst i Brasilien, Storbritannien og Tyskland, så hun meget nøje på de seneste 10-15 år: hvad der var organiseret, hvilken slags japansk samtidskunst der er blevet indsamlet i offentlige institutioner i Europa. Hun fortsatte: Jeg ønsker at bringe bevidsthed om konteksten bag det, folk misforstår, til den sociale kommentar bag værkerne.

Fru Hasegawas store og tankevækkende synopsis omfatter seks temaer (kaldet øgrupper), der bygger bro mellem kunst, arkitektur, video, mode og musik. Hun forbinder porøst bevægelser og multimedier på tværs af to etager med en mise-en-scène udtænkt af Tokyo-arkitekterne SANAA. (Selve Pompidou Centre Metz er designet af den japanske arkitekt Shigeru Ban).

Billede

Kredit...Dmitry Kostyukov for The New York Times

Den første sektion, Strange Object/Post-Human Body, konfronterer besøgende med Electric Dress, en flerfarvet klynge af lys, skabt i 1956 af Atsuko Tanaka, som præfigurerer nutidens udviklende forhold mellem det fysiske og det digitale. Stykket giver genklang med Comme des Garçons tøj på udstillingen, som præsenterer en alternativ tilgang til vestlige ideer om skønhed og kropsopfattelse.

Transfigurationer udfolder sig gennem dette afsnit: Fru Hasegawa bemærker traumatiske ideer om atombomben og forureningsaktiveret mutation i to meget mærkelige, meget kritiske kokonkapsler fra slutningen af ​​1960'erne af Tetsumi Kudo ). Ny teknologi informerer 80'er-kollektivets arbejde Dumme type , det techno-pop musikalske outfit Yellow Magic Orchestra og programmørerne og kunstnerne bag Rhizomatiks . Rhizomatiks bidrager med en visualisering af Bitcoins blockchain-system afvist i henhold til live-transaktioner i en digital ballet, der viser en fremadrettet udvikling af japansk kreativitet.

Inden for popkunst-sfæren har Ms. Hasegawa fremhævet værker med en stærk konceptuel baggrund og japansk specificitet. Hun ønsker at undergrave den måde, hvorpå japansk popkultur ofte forstås som solrig eller fjollet: Den grafiske kitsch er faktisk i sagens natur kritisk, siger hun. Det er folkesprog - men også meget sofistikeret, tilføjede hun. Kunstneren Takashi Murakamis arbejde i denne ånd er måske det mest kendte, men det er også det mest misforståede. De malede smileys på hans Cosmos er ikke bare lyse og sjove - kompositionen skylder alt til 1700-tallets Edo-malerier. Hans mindre kendte Polyrhythm Red lærred, prydet med Tamiya soldater figurer, afspejler, sagde Ms. Hasegawa, japansk kultur, der bliver barnlig, og et utilpashed omkring vold og sårbarhed.

Billede

Kredit...Dmitry Kostyukov for The New York Times

Udstillingen vælter også den tilsyneladende naivitet af kawaii, Japans karakteristiske søde mærke, for at afsløre påstande om sociopolitisk frustration. En kimono fra 2002, der bruger Bingata, det traditionelle farvede stof fra Okinawa - hvor kunstneren Yuken Teruya voksede op, nær en base i USA's hær - er særligt slående. De muntre blomster og træer på tøjet er, ved nærmere eftersyn, sammensat af jagerfly og faldskærme.

Udstillingen afsluttes med et afsnit om Materialitet og Minimalisme, der fremhæver eksempler som Hiroshi Sugimotos rolige fotografier af horisontlinjer og Ryoji Ikeda 's trancelignende arbejde baseret på numeriske data. Det er en landing, sagde fru Hasegawa om udstillingens finale, at se på noget sublimt.

Kohei Nawa er betagende Kraft , en installation af tyktflydende sort silikoneolie, som regner ned uden at lave et plask, virker beroligende, men dette er vildledende: Dens emne er radioaktivt nedfald. Som mange værker i Japanorama viser det, at simpelt ikke betyder ligetil, at smukke ting kan indeholde foruroligende frygt.

At kæmpe med disse nuancer kræver, at man er åben over for et andet perspektiv. I denne forstand er forestillingens mest emblematiske værk af kunstneren Shimabuku . Hans video Then, I Decided to Give a Tour of Tokyo to the Octopus from Akashi, er lige så blidt sjov, som den påvirker. Han samler en blæksprutte fra sin hjemby og bringer den til metropolen med kugletoget - tager den til fiskemarkedet, introducerer den til en anden blæksprutte der - og slipper den til sidst ud i havet igen. Det er en passende fortælling for udstillingens besøgende, som til sidst vender tilbage til deres sædvanlige rammer, mere oplyste over at have udforsket et ukendt territorium.