Guggenheims samling, set af seks kunststjerner

Alle er kuratorer i disse dage. Men når garvede kunstnere bliver bedt om at organisere en udstilling fra et museums samling, kan det være en stor ting.

Installationsvisning af Artistic License: Six Takes on the Guggenheim Collection præsenterer seks separate udstillinger, som kunstnere har kurateret fra museets samling.

Gode ​​ting plejer at ske, når et museum inviterer en kunstner til at gennemsøge sine besiddelser og kuratere en udstilling fra andres værker. Kunstnere ser på en samling mere frit og grådigt end de fleste af os, fra mærkelige vinkler. De pirrer ofte forsømte eller excentriske skatte og fremhæver, hvad museer har, men ikke bruger; de kan også afsløre en samlings svagheder, dens skævheder og blinde vinkler. Og ved at bruge andres kreationer til at skabe nye forbindelser, viser kunstnere også nye sider af sig selv.

Så forestil dig, hvad der sker, når Guggenheim-museet inviterer seks kunstnere til at vælge seks separate, men krydssnakende tematiske udstillinger, en for hver rampe i dens berømte rotunde. Du får Kunstnerisk licens: Six Takes on the Guggenheim Collection, et sjældent, blændende, svimlende overflødighedshorn af genstande, synspunkter og dagsordener.

Guggenheim har aldrig monteret en kunstnerudvalgt udstilling, og at tage springet med seks forvandler det, der kunne have været et let sommerprojekt, til en provokerende, sekssidet samtale. Kunstnerne, som alle har haft soloudstillinger på museet, var begrænset til værker i samlingen fra 1900 til 1980, men var ellers frie til at kritisere - et smart træk i en tid, hvor museerne er under nyt pres for at forblive relevante.

Arrangeret af et hold ledet af Nancy Spector, museets kunstneriske leder og chefkurator, ser kunstnerne ud til at hygge sig.

Cai Guo-Qiang fæstnet på værker, der for det meste viser Guggenheims store navne, før de blev til kulturelle varer. Paul Chan har opstillet et forførende essay om glædens og vands afgørende roller som former for fornyelse. Richard Prince og Julie Mehretu har koncentreret sig om efterkrigstidens abstraktion, til meget forskellige formål. Carrie Mae Weems og Jenny Holzer har opsøgt værker af farvekunstnere og kvinder - og ikke altid fundet det - hver især effektivt tacklet Guggenheims mangel på mangfoldighedsproblemer.

'Ikke-brand'

Billede

Kredit...Karsten Moran for The New York Times

Showet starter med en dejlig opvarmningsøvelse udvalgt af den kinesiskfødte, New York-baserede billedhugger og installationskunstner Cai Guo-Qiang, som maler med krudt. Mr. Cai har hængt hovedvæggen i High Gallery salonstilen op med 75 temmelig ukendte værker på papir og små malerier, hovedsagelig af kanoniske kunstnere, før de udviklede deres varemærkestile, som han siger i sin introduktion: Kandinsky, Miró, Beuys, Picasso , Louise Nevelson og især vidunderlige værker af Franz Kline og Mark Rothko.

Andre er af kunstnere, der er indlejret i museets historie, som Hilla Rebay, en af ​​dets grundlæggere, repræsenteret af en adræt collage af en kvindelig nøgen. Mr. Cai inkluderede også flere af sine egne værker her, små landskabsmalerier fra begyndelsen af ​​1980'erne, da han først brugte olier og tilpassede sig vestlige stilarter og lige begyndte at finde vej, ligesom de unge kunstnere her.


'Sex, vand, frelse eller hvad er en badende?'

Billede

Kredit...Karsten Moran for The New York Times

Billede

Kredit...Karsten Moran for The New York Times

Paul Chan er bedst kendt for temmelig mystiske konceptuelle projekter, men han bliver næsten romantisk her, idet han lægger et chok af lyseblåt tæpper, der fryder sig selv før hans invitation til at reflektere over, hvordan glæde fornyer os. Vi kan ikke arbejde for forandring i disse straffende tider uden fornøjelse, fastholder hr. Chan, og han ser vand - rensende, helbredende, sybaritisk - som dets universelle kilde, ofte forbundet i kunst med motivet om den badende, hvor det åndelige , det materielle og det sanselige falder sammen.

Her begynder bekræftelsen med et Lawrence Weiner-sprogstykke To the Sea ... og Mondrians næsten helt blå sommer, Dune in Zeeland (1910), og slutter med en sprudlende sen de Kooning. Laurie Simmons, Ilse Bing, Rufino Tamayo, George Platt Lynes og Ernst Ludwig Kirchner fremtryller badegæster og badning (selv på badeværelser). Fornøjelse er ligesom vand en af ​​livets væsentligste ting. Vi ignorerer det første og spilder det andet på egen risiko.


'Fire malerier ser rigtigt ud'

Billede

Kredit...Afro/Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom; José Guerrero/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid; Karsten Moran for The New York Times

Billede

Kredit...Bo efter Paul Jenkins/Licenseret af ADAGP; Karsten Moran for The New York Times

Kendt for sine egne sardoniske lån af billeder, samler maleren og fotografen Richard Prince en slags gåde. Hans sektion, Four Paintings Looking Right, gentager titlerne på hans tidlige fotoværker, der kommenterede den dødbringende lighed mellem modellerne og poseringerne i magasinannoncer, som hans Uden titel (Fire kvinder søger i samme retning) fra 1977. Men her er ret også en kvalitativ dom, som i korrekt.

Hans mål er den amerikanske abstraktions fremgang i efterkrigsårene, som han hævder faktisk var en transnational bevægelse, og som også tager et problem med overvægten på originalitet og forfatterskab. Han præsenterer klynger af overraskende ens abstrakte værker, langt de fleste af mindre kendte kunstnere fra flere kontinenter. Tegninger af Philip Guston, Judit Reigl og Georges Mathieu er lineære kompositioner, der fremkalder dæmpede stilladser. Malerier af Jack Tworkov, Afro og José Guerrero gentager en dristig brug af gul og sort. En falsk Pollock fra kunstnerens samling står i kontrast til Guggenheims ægte.

Et stort maleri fra 1956 af amerikaneren Paul Jenkins, The Prophecy, tilbyder en apokalyptisk udsigt, der ligner den britiske maler John Martin fra det 19. århundrede. Og to lærreder fra 1961-62 (også ejet af Mr. Prince) af Stuart Sutcliffe, en meget tidlig basguitarist for Beatles, der opgav rock 'n' roll for kunst, ser helt rigtige ud. Det samme gør en række vidunderlige, lidet sete skulpturer af Herbert Ferber, Claire Falkenstein, Michael Lekakis og Étienne Hajdu.


'Græd guld og se sort'

Billede

Kredit...The Estate of Francis Bacon/DACS, London/Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran for The New York Times

Maleren Julie Mehretu tager et helt andet greb om den samme efterkrigsperiode: den er underkendt global uro - fra efterskælvene af Holocaust til fremkomsten af ​​atomalderen, fremkomsten af ​​den amerikanske borgerrettighedsbevægelse og Afrikas uafhængighedskrige - og den måde, det hele giver genlyd gennem kunst.

Abstraktion, skriver hun, gav et eksperimentelt ordforråd, som kunne angive omfanget af ødelæggelser forårsaget af krigen. Hun finder brand i et relief af brændt træ Alberto Burri samt i værker af James Lee Byars og Norman Lewis . Fragmenteringen af ​​kroppe kommer til udtryk i Francis Bacons, David Hammons, Wifredo Lams og den chilenske maler Mattas indsats; en tidlig torn-bly skulptur af Richard Serra og en performance i tre fotografier af Senga Nengudi .

Ms. Mehretu genopliver også de slørede præstationsbaserede selvportrætter af de glemte Blythe bønner efterfulgt af et stort maleri af Asger Jorn der overstrømmende fremkalder kaos. Ms. Mehretu finder masser af Sturm und Drang i abstraktion; det er et spejl af sin tid.


'Hvad kunne have været'

Billede

Kredit...Karsten Moran for The New York Times

Billede

Kredit...Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn; Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Kunstneren Carrie Mae Weems finder Guggenheims samling smerteligt mangelfuld i kunstværker af sorte, brune eller kvindelige kunstnere. I sin vægtekst komplimenterer hun museet for dets mange vidunderlige, juvellignende genstande, men siger ligeud, at det mangler kompleksiteten af ​​virkelig forskelligartet repræsentation, som let kunne have været opnået, hvis øjnene var åbne.

For at accentuere dette fravær har hun vendt sig til metaforer og begrænset sig næsten udelukkende til værker, der er sorte og/eller hvide. Det eneste værk med ægte farver er Max Beckmanns maleri fra 1934, Ali With Mask, som portrætterer en indolent odalisque, hvis sorte maske får hende til at virke næsten blind - ligesom museet, synes fru Weems at sige. Hendes valg danner en elegisk procession af malerier og skulpturer af Alberto Giacometti, Mondrian, Armando Morales og Franz Kline.

Sådanne værker afspejler en formel integration, dynamikken og endda den indbyrdes afhængighed af sort og hvid. En gruppe fotografier fra hele verden forestiller sorte eller hvide mennesker, men aldrig begge sammen. Undtagelsen er rystende: George Platt Lynes' Frederick Ashton With Dancers, et portræt fra 1934 af den britiske koreograf, i et jakkesæt, med tre sorte nøgne mænd opstillet foran ham. I en af ​​showets mest slående sammenstillinger har Marilyn Lenkowskys finneformede sorte maleri fra 1977 udsigt over Bask, en skulptur af bejdset fyrretræ fra 1976 af Martin Puryear, der rejser sig fra gulvet som en bølge eller kanten af ​​en klippe.


'Gode kunstnere'

Billede

Kredit...Boet efter Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran for The New York Times

Billede

Kredit...Helen Frankenthaler Foundation Inc./Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran for The New York Times

I forlængelse af fru Weems' undersøgelse af museets svagheder, adresserer den provokerende tekstbaserede kunstner Jenny Holzer samlingens lille procentdel af værker af kvinder i en imponerende udstilling, der er viet til deres indsats. (Museet siger, at cirka 15 procent af værkerne i samlingen fra 1900 til 1980 er af kvindelige kunstnere.) Hendes afsnit er på én gang en fejring og en irettesættelse af museets mangler. Det inkluderer et spøgelsesagtigt malet lærredsvægstykke af Lee Bontecou og Nevelsons enorme trærelief fra 1971, hvis jævnt rytmiske komposition gør det til et af hendes bedste.

Farver dukker op igen i Joan Mitchells feisty Canada I (1975), begyndelsen af ​​hendes sene, store periode, hængende i en bugt for sig selv og derefter eksploderer med mørkegule farver, som deles af Natalia Goncharovas Cats (rayist percep.[tion] i rosa , sort og gul) fra 1913, og Helen Frankenthalers overdådige 1963-kanal. De strækker sig over et halvt århundrede og danner et af showets bedste øjeblikke og synes at understrege fru Holzers budskab: På ethvert tidspunkt i historien er der altid gode kunstnere, der tilfældigvis er kvinder.

Der er en beundringsværdig stramhed og klarhed mellem kunstnernes udtalelser og det, de har fremlagt, der gør Artistic License tæt og spændende og vil opretholde gentagne besøg. Afsnittene supplerer eller modsiger hinanden, hvilket gør forestillingen til mere end summen af ​​dens betydelige dele. Det hele vender Guggenheim vrangen ud og afslører, hvad museets vægte opnåede både inden for og uden for kanonen, og også hvor det skal vende sig næste gang: mod det område af mainstream, tidligere kendt som margins, som virkelig er overalt.


Kunstnerisk licens: Six Takes på Guggenheim Collection

Til og med 12. januar på Solomon R. Guggenheim Museum, Manhattan; 212-423-3500, guggenheim.org .