På 'Greater New York' møder Rising Art Stars the Old School

To værker af Tony Matelli, en del af et rum fyldt med skulptur på udstillingen

Greater New York, titlen på MoMA P.S. 1 's hvert femte års roundup af lokal kunst, er kommet til at lyde som et ønske, ikke en kendsgerning. Siden showets første optræden i 2000 er byens galleribefolkning eksploderet. Men overflod har sat sig i intetsigende. En rundvisning i Chelsea i disse dage kan være en dødbringende oplevelse. Kunstkvarterer, der måske engang havde tilbudt alternativer, gør det ikke.

Hvordan skete dette? Du kan pege på, at kunstkvarterer har færre og færre kunstnere; de er blevet prissat. Du kan pege på hypen omkring maleri, især abstraktion, der har opmuntret det, der svarer til en fancy lufthavnskunst for nyrige samlere. Du kan pege på en konstitutionel dovenskab, der altid trækker kunstetablissementet mod det, der er nemt at chatte og skrive om.

Greater New York, der nu er i sin fjerde udgave, har sin andel af abstrakt maleri, men væver det ind i en større historie, der går ud over en fiksering på form for at fokusere på ideer, der binder kunst og kunstnere til livet. Med et multigenerationshold af arrangører - Peter Eleey og Mia Locks fra P.S. 1; Thomas J. Lax, associeret kurator for medier og performancekunst ved MoMA; og Douglas Crimp, professor i kunsthistorie ved University of Rochester - showet træder væk fra dets grundlæggende præmis om nyhed, ideen om, at det ville være en femårig opdatering på storbymarkedet. De 158 kunstnere på listen spænder fra 20-noget til 80-noget; nogle få er døde. Forestillingen om, at en ny kunstner skal være ung, forkastes. Ældre kunstnere, der er nyligt i søgelyset, eller tilbage efter en lang forsinkelse, kvalificerer sig. Og historien arbejder i to retninger. Kunst fra 1970'erne og 80'erne præsenteres som forudseende om, hvad der bliver lavet nu, og ny kunst anses for at sætte et dybt spin på fortiden.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Som titlen indikerer, handler Greater New York også om en by og specifikt en by, hvor kunstnere altid har fundet vej under stress. Lige indenfor P.S. 1's hoveddør er en gruppe fotografier, der dokumenterer fysiske ændringer på institutionen, siden den åbnede i 1971 i en tidligere folkeskole i et Queens-kvarter, der tilbyder billig husleje til kunstnere. Billederne er til permanent visning, men en ung kunstner hedder Park McArthur , født i 1984, har tilføjet en mere. Det er et 2015-billede af P.S. 1 - nu MoMA P.S. 1 — flankeret af et glashøjhus og ejerlejlighedskompleks i gang, og halvt tilsløret af et gadebanner, hvor der står: Make It Here. Long Island City. Gør det til dit.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Ms. McArthurs indsats for gentrificering har en historie. En af de første ting, du ser en gang inde i gallerierne, er en video fra 1976 af James Nares kaldet Pendulum. I den svinger det, der ligner en ødelæggende kugle, frem og tilbage mellem bygninger på Lower Manhattan, et område, som kunsten allerede havde gjort chic, og hvorfra kunstnerpopulationen ville begynde at forsvinde. Så meget for forestillingen om, at 1970'erne var en venligere, blidere tid for kunst. Forestillingens tur ind i fortiden føles ikke meget som en sentimental rejse. Et reality-tjek ligner mere.

Hovedgalleriet på første sal er viet til en figur, der stadig er lidt kendt af kunstverdenen som helhed, Alvin Baltrop (1948-2004), en fotograf, der fra midten af ​​1970'erne til midten af ​​1980'erne tog tusindvis af billeder af West Side-molerne, der var homo-krydstogter. Forladte på en måde, som nogle mennesker finder romantiske, blev molerne en farezone efter tilstedeværelsen af ​​AIDS, hvis tilstedeværelse i høj grad er en del af det flydende, men ikke-lineære show.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Et par gallerier på, efter den visuelle ækvivalent af urban buzz in samlinger af Eric Mack og zany videoer med drag queens og husdyr af Nelson Sullivan (1948-1989), kommer værker af kunstnere, der var tidlige AIDS-aktivister: Joy Episalla, Donald Moffett og kollektivet Fierce Pussy (Nancy Brooks Brody, Zoe Leonard, Carrie Yamaoka og fru Episalla). Fremstillet stort set i et sprog af mørke og lys, fanger den tidens dystre stemning.

På et af hr. Baltrops fotografier får du et glimt af et kunstværk sammensat af disse elementer: en installation fra 1975 kaldet Day's End af kunstneren Gordon Matta-Clark (1943-1978), som skar en kæmpe halvmåneformet skive ud af en molevæg og bragte dagslys ind. Et år senere deltog Matta-Clark i PS 1's første store gruppeudstilling, Værelser, hvortil han snittede stykker ud af bygningens vægge og gulve.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billeder af afbrudt og ustabil arkitektur går igen i Greater New York: in Lutz Bacher 's virvar af borglignende blokke og i en funky, lydgenererende læne-to-by Sergei Tcherepnin . Et værelse fyldt med fotografier fra 1979 dokumenterer Henry Flynt 's ihærdige sporing af graffiti-tags efterladt af kunstnerne kendt som SAMO (Shannon Dawson, Al Diaz og Jean-Michel Basquiat) på New Yorks bymure. I et tekststykke fra 2007 beskriver den Bronx-fødte Glenn Ligon, som er afroamerikaner, de mange ændringer i hjemmet, han lavede i New York under racismens skygge. Og i en ekstraordinær 2013-video, Ditch Plains, af Loretta Fahrenholz , skudt i kølvandet på orkanen Sandy, er byen scenen for en koreograferet apokalypse, der efterlader sorte kroppe liggende på gaden.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Greater New York er ikke bleg for at beskæftige sig med identitetspolitik. Hvordan kunne det være i Eric Garners hjemby? Men ingen identiteter er enkle: Den menneskelige krop er råstof, der er moset i diglen mellem race, køn og klasse. Dette er som sandt Wardell Milan 's klippe-og-klistre blækportrætter på første sal og de formskiftende figurer i hjerte-bankende-og-blodplet-lyserøde fotografier af Jimmy DeSana (1950-1990) på den anden, da den er af to dusin skulpturer i et vidt åbent rum også på den anden.

Her en af John Ahearn 's ømme 1980'er-livs-casts af South Bronx-beboere holder selskab med en 2013 Stewart Uoo mannequin-i-nedsmeltning. I billeder af en kosmisk anderledeshed, Huma Bhabha tager et hånligt primitivt greb, og Rina Banerjee går efter eksotisk pragt, et valg også taget af Raul de Nieves i en all-perler avatar figur, og Ignacio González-Lang , der forvandler en Ku Klux Klan-kåbe til latino fiesta-tøj.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Det er godt at se en skulptur fra 1994 af Mary Beth Edelson, og det er en vild en, der blander Lorena Bobbitt og den hinduistiske gudinde Kali sammen. Der er desuden malede fotografier fra 1970'erne af denne feministiske pioner, selvom et forsøg på at forbinde dem med nyere kunst af yngre kunstnere føles anstrengt. 1994-stykket gør et stærkere indtryk. Det samme gør et nyligt skulpturelt selvportræt af fru Edelsons samtidige, Judith Shea, der også var i 1976 P.S. 1 show med Matta-Clark.

Han er en central figur her, til stede på hver etage. Han var stærkt antimarked og anti-institution. Han opfordrede kunstnere til at tage deres økonomiske liv i egen hånd. Det gjorde han selv ved blandt andet at organisere en kunstnerdrevet restaurant i SoHo. Visse kunstnere i Greater New York - Susan Cianciolo, designduoen Mike Eckhaus og Zoe Latta og kollektivet ved navn Slow and Steady Wins the Race - følger hans iværksætterled ved at kombinere kunst og mode, eller i tilfælde af Alisa Grifo og Marco Romeny, ved at drive kombinationen mor-og-pop-butik og museum Kiosk .

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Jeg er i tvivl om de nuværende modeller. Matta-Clark talte om kollektivitet i den brede politiske betydning af fælles deling. 2015-versionerne er tættere på gammeldags privat virksomhed. Disse tvivl er ikke nær så alvorlige som de betænkeligheder, jeg føler over for et corporatized kunstmarked, der nu leverer alt overskud i de samme få lommer.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Flere unge kunstnere i Greater New York f.eks Angie Keefer , Cameron Rowland , Ben Thorp Brown og Ms. McArthur, adresserer direkte denne programmerede ulighed, som er lige så meget business-as-usual i kunstindustrien, som det er i den større verden. Og i et af showets kulminerende stykker kalder dragkunstneren Lady Bunny det højt og tydeligt til et diskoteksbeat i Charles Atlas 's video Here She Is.

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Billede

Kredit...Chang W. Lee/The New York Times

Nu er det tid til, at en udstilling også laver nogle seriøse opråb.

En model fra fortiden? Hvad med Hans Haackes tidlige forskningsprojekter, der på fantasifuldt vis forbandt New York slumejendomme og corporate art sponsorering. Hr. Haacke bragte kunstverdenen og den virkelige verden i så skarpt fokus, at Guggenheim aflyste hans soloudstilling fra 1971 på grund af kunstnerisk upassendehed, seks uger før åbningen. Men sådanne projekter med at fortælle sandhed til magten burde komme inde fra vores institutioner, fordi de har ressourcerne, og fordi de skal genoprette troværdigheden. Kimen til et sådant projekt er der i Greater New York. Måske kan det smarte team, der satte det sammen, blive genindkaldt til en slankere, slemmere, mere ærlig version i fremtiden. Det vil være rart.