Bedste kunst i 2019

Dette var et år med højdepunkter, der inkluderede politiske protester i kunstverdenen, en historisk Whitney Biennale, inspirerende monumenter og et fornyet MoMA.

Med uret fra venstre: Amy Sheralds When I let go of what I am, I become what I might be (Self-imagined atlas), 2018; Buste af Dushara, fra Petra, 1. århundrede f.Kr.–1. århundrede e.Kr.; Detaljeret visning af El Anatsui

ROBERTA SMITH

Fra retrospektiver til debutshows, og ja, selv MoMA-genåbningen, holdt kunsten vores opmærksomhed med innovation og variation.



Billede

Kredit...Jeenah Moon for The New York Times

For New York var årets signalbegivenhed oktobers genåbning af Museum of Modern Art med dets nyligt udvidede, forbedrede bygning og mere inkluderende, historisk nøjagtige permanente samlingshæng, som giver fyldigere modernismens epos med værker af kvinder, kunstnere fra farve og ikke-vestlige. Der er flere skabninger: masser af stole af Jean Prouvé og sofaer af Charlotte Perriand i lobbyen, for eksempel. Og til lejligheden var alle andre udstillinger også hentet fra den permanente samling, hvor det seneste show fra Artist's Choice-serien var særligt bemærkelsesværdig. Med titlen Shape of Shape, det blev valgt af New York-maleren Amy Sillman, som orkestrerede en tæt installation, der sammenlignede og kontrasterede arbejde af omkring 70 kunstnere. Resultatet var en visuel fest, der måske også kan læses som en påmindelse til MoMAs smarte kuratorer om, at fornøjelse er sin egen form for viden.

Det her henrivende retrospektiv sporer de skiftende vidder - bølger, nattehimmel, ørkengulve - over seks årtier, og belyser kunstnerens hang til at afsløre det uendelige i det intime (og omvendt), mens man sætter opfattelse, filosofi og tålmodige processer op mod hinanden. Showet er et imponerende argument for hendes storhed og understregede også styrkerne ved Marcel Breuers skelsættende bygning i et sjældent samarbejde mellem kunstner, kurator og arkitektur.

Denne pop-up-udstilling tilbød yderligere bevis på, at nogle af de bedste surrealistiske malerier blev lavet af kvinder, der arbejder i Mexico. Opmåling af kunsten af ​​den velfødte oprørske brite Leonora carrington (1917-2011), afslørede den en fantastisk fantasi, delvist påvirket af myter, hun lærte som barn fra sin skotske mor og barnepige. Der var flere opsigtsvækkende lærreder, især And Then We Saw the Daughter of the Minotaur (1953), som MoMA erhvervede og viste som et midtpunkt i dets omkonfigurerede surrealistiske galleri. Den forestiller en minotaurhun med orange kappe og en bleg blomsterlignende skabning, der hilser på to børn i sort, måske når de vender tilbage fra skole, med en smidig ånd slæbende bag sig. En genrescene er det ikke.

Denne udstilling (arrangeret af Pérez Art Museum Miami) introducerede arbejdet med den selvlærte jamaicanske kunstner til det amerikanske publikum. Dels folkekunstner, dels surrealist, var Dunkley (1891-1947) bedst i lysende landskaber, hvor mærkelige træer, store planter og pludselige vandfald kaster en hypnotisk besværgelse.

Den relativt ukendte Ms. Sherald blev berømt i 2017, da hun blev bestilt af National Portrait Gallery til at male Michelle Obamas officielle portræt, og kort efter opnåede hun repræsentation af et blue-chip galleri, der hurtigt planlagde hendes debut i New York. Ms. Sherald, der er 46, rejste sig til lejligheden og holdt et enormt rum med kun syv nye portrætter , også af sorte emner, der tog hendes formelt karakteristiske, smukt malede realisme til et nyt niveau.

Dette designgalleri i Greenwich Village inviterede flere kunstrelaterede slags - kunstnere, fotografer og kunsthandlere - til at vise nogle af deres mest elskede genstande på møbler designet i 1960'erne af Maria Pergay (der stadig arbejder på 89). De resulterende arrangementer havde et kabinet af kuriositeter intensitet. Dette kan være en halvårlig begivenhed.

En samling af 3.000 dyner af afroamerikanske kunstnere er helt sikkert en af ​​de mest transformerende museumsgaver i det sene 20. århundrede. Blandt rigdommene i Eli Leon-kollektionen er over 100 blændende quilts og andre tekstilværker af Rosie Lee Tompkins, (1936-2006), en af ​​de få kvinder i den øverste række af amerikanske outsiderkunstnere. Indsamlingen vil danne grundlag for en større tilbageblik der åbner på BAMPFA den 19. februar 2020.

Det her fremvisning af nye malerier, tryk og tegninger var et af de bedste og mest åbne shows i Mr. Johns lange karriere. Med en præsentation af nye serier og et gensyn med gamle, var showet centreret om to malerier og talrige tegninger baseret på et fotografi af en amerikansk soldat under Vietnamkrigen, der græd over de liv, der var tabt i dagens kamp. Den bøjede figur er camoufleret af kontrasterende teksturer i nuancer af grønt og guld, hvorfra figuren gradvist dukker op, hvilket grunder følelsen af ​​dæmpet sorg.

Det første museumsudstilling viet til denne syrisk-fødte libanesiske kunstner (som har boet i mange år i USA og Paris) afslørede et polymatisk talent, der er interesseret i maleri, tegning og film, men bedst repræsenteret ved et væld af for det meste små, groft improviseret glaserede keramiske skulpturer svimlende i deres forslag: af dyr, figurer, ældgamle artefakter, religiøse ritualer, turistsouvenirs, ørkenstrukturer ødelagt af krig og, altid, af levet liv og tidens indgreb. Variationen, ubekymretheden og de lagdelte betydninger tilføjede til et værk med få ligestillede inden for den keramiske skulpturs område.

Okwui Enwezor, Virginia Zabriskie, Takis, Leon Kossoff, Matthew Wong, Carolee Schneemann, Ed Clark, Francisco Toledo, Bruce W. Ferguson, Mavis Pusey, Lutz Bacher, Robert Ryman, Gillian Jagger, Joyce Pensato, Mary Abbott, Charles Ginnever, Marisa Merz, Claude Lalanne, Ronald Jones, Ingo Maurer, John Giorno, David Koloane, Huguette Caland, Jill Freedman, Robert Frank, Nancy Reddin Kienholz, Carlos Cruz-Diez, Monir Shahroudy Farmanfarmaian, Dan Robbins, IM Pei, Stanley Tigerman, Douglas Crimp , Hildegard Bachert.



HOLLAND COTTER

Ser vi tilbage på kunst i 2019, er her 11 varer, bedste og mest lærerige. Og et storhedsproblem.

Billede

Kredit...New York Times

De mest radikale museumsbegivenheder i 2019 var de mange individuelle protester rettet mod tvivlsomme kilder til kunstprotektion. Nan Goldin opfordrede institutioner til at skære båndene til Sackler familie , ejere af Purdue Pharma, virksomheden, der fremstiller OxyContin; Afkoloniser dette sted krævede afsættelse af Whitney-bestyrelsens næstformand, Warren B. Kanders, hvis virksomhed, Safariland, fremstiller tåregas; guerillapigerne gik efter Museum of Modern Art-tillidsmændene Leon Black og Glenn Dubin for deres forretningsforbindelser med den dømte seksualforbryder Jeffrey Epstein; flere aktivistgrupper målrettede en tredje MoMA-tillidsmand, Larry Fink, over hans virksomheds investering i den private fængselsindustri. Men, lyder et gammelt argument, har kunst ikke altid været bankrulleret af dårlige penge? Selvfølgelig går den nye tankegang, men hvorfor skulle det være OK?

Det Whitney Biennalen 2019 lavet historie: Af de 75 kunstnere var et flertal ikke-hvide, og halvdelen var kvinder. At kunsten valgt af kuratorerne, Jane Panetta og Rujeko Hockley, komplicerede identiteter i stedet for at indsnævre dem, bidrog til showets modstandspolitik.

I anledning af dens genåbning , efter en udvidelse på 450 millioner dollars, 47.000 kvadratmeter, tog MoMA skridt, forsigtigt, men betydningsfuldt, i retning af at gentænke den forældede hvide, mandlige, nationalistiske version af modernismen, som længe har været dens brand. Den åbenlyse forskel nu er tilstedeværelsen af ​​selve forskellen i form af kunst - meget nyligt erhvervet - fra Afrika, Asien, Sydamerika og Afrikansk Amerika, og en hidtil uset mængde arbejde af kvinder. Er gentænkningen foundation-rystende eller huddyb? Det vil tiden vise. Museet lover en fuldstændig omlægning af de permanente samlingsgallerier hver 18. måned, og alle øjne vil være rettet mod den første rotation. Med meget at beundre og meget at diskutere med, føles den generelle retning rigtig.

Udstillinger fejrer 50-året for Stonewall-oprøret og den spirende homo-befrielsesbevægelse var udbredt sidste sommer. Der var flere i New York, og som mindehøjtideligheder plejer at gøre, følte de sig samtidig genopstået og begravende. Undtagelsen var den meget livlige Nobody Promised You Tomorrow: Art 50 Years After Stonewall på Brooklyn Museum. Det er ved at lukke (den kan ses til og med den 8. december), det er en undersøgelse af ny kunst, der fører historien om befrielse videre ind i LGBTQ+-nutiden og ind i riger af kønsfluiditet, der nogle gange fik en kølig modtagelse i selve homobevægelsen i kun LGB-dagene i 1969.

Det mest innovative historiske show, jeg så sidste sæson, var Verden mellem imperier: Kunst og identitet i det antikke Mellemøsten på Metropolitan Museum of Art. Den tog den klassiske antikke-kunst-undersøgelsesmodel med dens kronologiske række af arkæologiske skatte og filtrerede den gennem det 21. århundredes realiteter. Flere af de betragtede steder - Palmyra og Dura-Europos i Syrien, Hatra i Irak - har i de seneste år været genstand for kampagner med ideologi-drevet ødelæggelse, katastrofer, som showet adresserede direkte og hele vejen igennem.

Moderne offentlig skulptur har en usikker track record, men vi har fantastiske eksempler i år. Simone Leighs Murstenshus , en 16 fod høj bronzefigur af en sort kvinde, der smelter sammen med en afrikansk arkitektonisk form, sidder kommanderende på udløbet af High Line, der bygger bro over 10th Avenue. Fire lysende kvindefigurer af bronze af Wangechi Mutu fylde de engang tomme skulpturelle nicher på Met's Fifth Avenue facade. Og i forlængelse af Siah Armajanis rejseundersøgelse på Met Breuer installerede Public Art Fund denne kunstners ubeskrivelige poetiske Bro over træ på East River mellem Brooklyn og Manhattan Bridges.

I 2019 uddannede museer fokus på vigtige, men lidet kendte kunstnere i retrospektiver af værker af Alvin Baltrop på Bronx Museum; Harmoni Hammond på Aldrich Contemporary Art Museum i Ridgefield, Conn; Mrinalini Mukherjee på Met Breuer; og Zilia Sanchez på Phillips Collection i Washington (og nu på El Museo del Barrio i New York). For mig var den mest opsigtsvækkende undersøgelse af alle en uformel undersøgelse. På et besøg i Medellín, Colombia, blev jeg taget ind i lagerområdet på byens Museum for Moderne Kunst, hvor direktøren, Emiliano Valdés, trak stativ efter stativ med malerier ud af den store colombianske politiske kunstner Débora Arango (1907-2005) .

Enestående, blandt sæsonens kortsigtede observationer, var Alex Katz s store, mørke, dybe landskaber på Gavin Browns Enterprise; William Powhidas udsøgt skarpe dissektioner af kunst og politik (inklusive Kanders-sagen) på Postmasters; og en David Hammons solo på Hauser & Wirth i Los Angeles, som, et par blokke væk fra en af ​​landets største bymæssige hjemløselejre, omfattede sin egen teltby.

Hauser & Wirth var en af ​​en håndfuld internationale gallerifranchises - Gagosian og David Zwirner er andre - travlt optaget af at hamstre kunstnere og fast ejendom. Zwirner lavede interessante ting ud af sin imperiale magt i to fremragende gruppeshows: God Made My Face: A Collective Portrait of James Baldwin , sat sammen af ​​kritikeren Hilton Als, og De unge og de onde , arrangeret af kunstneren og forfatteren Jarrett Earnest. Gagosian fortsatte derimod med at forkalke til fuldstændig forudsigelighed. Det svarer nu ofte til et luksusbiludstillingslokale og en kunstbank.

I oktober beundrede New York Citys meget beundrede kulturkommissær, Tom Finkelpearl , der kender lokal kunst og dens historie bedre end nogen i byen, trak sig brat fra sin stilling. I juli døde den blinde digter og East Village-legende Steve Cannon, grundlægger af tidsskriftet A Gathering of the Tribes, og med ham gik det åndelige arkiv fra en uoprettelig New York-æra.

I år, som i de fleste år, kiggede jeg til mindre museer og universitetsgallerier for usædvanligt inspirerende og lærerige shows. Jeg fandt en perle i Dharma og Punya: Buddhistisk rituel kunst i Nepal på Cantor Art Gallery ved College of the Holy Cross i Worcester, Mass. Samlet af to lærde, Jinah Kim og Todd T. Lewis, bruger den genstande til at fortælle en historie om de lidt studerede traditioner for en populær religiøs kunst i Kathmandu Valley, en kunst, der er hengiven, intenst social og uundgåeligt politisk, og en kunst, der tager stræben efter generøsitet, der ikke skader, som sit emne, tro og mål.


Jason Farago

Greta Thunbergs fordømmelser, guvernør Jay Inslees præsidentvalg, Getty-løbebrande, grønlandske buyout-tilbud: I år brød klimakrisens umådelighed fuldt ud ind i den offentlige bevidsthed. Kultur, ligesom klima, kræver vurdering på global skala - og hvis kunst har et formål i antropocæn, er det at opløse vores økocidale selvoptagelse og finde vores refleksioner i livet for dem, der ikke er som os.

Billede

Kredit...Gianni Cipriano for The New York Times

Deres navne er Rugile Barzdziukaite, Vaiva Grainyte og Lina Lapelyte - og disse venner fra Kaunas, Litauen, de uhyre fortjente vindere af Den Gyldne Løve på dette års Venedig Biennale, skabte en uforglemmelig forestilling, hvis lige temperament tilslørede en økologisk supper punch. I Sun & Sea (Marina), en opera, der uafbrudt blev opført på en kunstig strand, sang badegæsterne lystigt om pakkerejser og engangsvandflasker og fornemmede svagt, at årstiderne var på vej. I november lukkede Venedigs værste oversvømmelser i et halvt århundrede Biennalen og oversvømmede Markusbasilikaen, ligesom den populistisk ledede regionale regering afviste en række klimaforanstaltninger. Men noget af den litauiske pavillons sand er blevet genbrugt for at samle en ø, der går i opløsning i lagunen.

Nogle dødsfald føles som afslutningen på en æra - men eksemplet med Okwui Enwezor, den mest betydningsfulde kurator i de sidste 30 år, vil regere i årtier over den globale kunstverden, han var med til at skabe. I udstillinger som de henrivende Anatsui: Triumphant Scale, som åbnede på Haus der Kunst i München lige før hans død i marts, modellerede nigerianeren en bredere kunstnerisk diskurs næret af politik, økonomi og aktuelle begivenheder og bekræftede, at afrikanske kunstnere var lige så nutidige som deres vestlige modstykker. Hvis det nu virker indlysende, at en udstilling med ny kunst kun fra USA og Europa er provinsiel, er det på grund af Okwui, som i kunsten og i livet gjorde kosmopolitismen til en etisk pligt.

Blandt åbningstilbuddene på det større, smidigere, næppe perfekte, meget forbedrede Museum for Moderne Kunst, er det vigtigste Moderne Syd : en forbløffende udstilling af mere end 200 abstrakte værker fra midten af ​​århundredet fra Brasilien, Venezuela, Argentina og Uruguay. Disse gaver fra samleren Patricia Phelps de Cisneros er en vigtig visning alene; når de senere bliver integreret i MoMAs forfriskede samlingsudstillinger, vil de omforme et museum, der nærmer sig flydende spansk og portugisisk.

Metropolitan Museum of Arts udsøgte udstilling af disse arkitektoniske billeder fra 1840'erne - inklusive de første billeder taget af Athen, Kairo og Jerusalem - var en af ​​de fineste udstillinger af tidlig fotografi, jeg nogensinde har set. Dens sammenflettede temaer om teknologi, kolonialisme og vandrelyst giver stadig genlyd i Google Street Views tid.

Tre museer generobrede underbesynnede helte fra europæisk kunst fra det 15. og det tidlige 16. århundrede. Bruxelles's Center for Fine Arts, kendt som Bozar , bragte malerierne, prints og gobeliner af all-media monster Bernard van Orley; Palazzo Reale i Milano genoplivede Antonello da Messina, den sicilianske savant; og National Gallery of Art i Washington gik til kamp for Verrocchio , den kunstneriske paterfamilias af Medici Firenze. Tilføj til disse et nyt show af renæssancekvinderne Sofonisba Anguissola og Lavinia Fontana , på Prado-museet i Madrid, og gamle lærreder ser meget friske ud.

Musée du Louvres Leonardo da Vinci tog et årti at organisere, med lån usikre indtil åbningsdagen. Men kuratorerne Vincent Delieuvin og Louis Frank opnåede en benchmark-præstation inden for rydning af spindelvæv, som afskaffede berømthed og konspiration og gav Leonardo tilbage til os som en ægte kunstner. Selve arketypen på en videnskabelig blockbuster.

Mr. Barneys tilbagevenden til sin fødestat Idaho inspirerede hans største film siden Cremaster-cyklussen, tilført en ny smidighed takket være den uforfærdede danser og koreograf Eleanor Bauer. Hans friere blik på amerikansk exceptionalisme og miljøforringelse blev også kanaliseret til elektropletterede raderinger og ambitiøse multimetalskulpturer, nu på UCCA Center for Contemporary Art i Beijing.

I Beacon, N.Y., har Dia Art Foundation foretaget en stille, men betydelig udvidelse af sin samling - og lavet sin mest dybtgående nye tilføjelse denne sommer, med en upåklagelig ny udstilling af Lee Ufan, Koreas mest betydningsfulde billedhugger. I selskab med Mr. Lees sarte kontrapunktiske arrangementer af sand, reb og kampesten, virkede Dias amerikanske og tyske all-stars pludselig en smule tungsinnede.

Hvis du synes, at institutionskritik er en glædesløs virksomhed, afslører to hjertestoppende shows af denne cypriotiske kunstner romantikken i minedriften på museet. På Camden Arts Centre i London, Mr. Panayiotou tog dørene af deres hængsler og erstattede vinduesruder med lyserødt glas for at sidestille to adskilte øer: hans eget middelhavs-hjemland og Brexit-delte Storbritannien. Og ved Musée d'Orsay i Paris , fremkaldte han tidens vrag gennem de mest afdæmpede bevægelser, som en Rodin installeret baglæns og et tæppe opgravet fra museets skraldespand.

Historien vælter mod glemslen, men alligevel skynder heltene sig ind. Ilden, der opslugte Notre-Dame den 15. april, kom meget tættere på end først anerkendt til at udslette den 850 år gamle katedral. Den står uden tag, men intakt, takket være de 600 løvehjertede brandmænd og ingeniører, der satte deres liv på spil for verdens kulturelle arv. Mottoet for Europas største brandvæsen passer til vores økologiske æra: Sauver ou périr, save or perish.